Auteur/autrice : laurence

Si les technologies ne déterminent pas a priori les usages qui en sont faits, leurs potentialités se cristallisent généralement dans un imaginaire socio-technique questionnant la téléologie du progrès. S’agissant du numérique, cet imaginaire s’est notamment incarné dans la promesse d’une démocratisation accélérée et à grande échelle, censée transformer les notions d’opinion et d’espace publics, de publicisation et d’expressivité du soi, ou encore modifier l’idée d’expertise.  Sur le plan théorique, on peut dire que si le numérique produit de tels effets dans le champ culturel, c’est parce qu’il est réputé résoudre au moins trois apories des marchés culturels :

–       d’une part, comme l’a montré la théorie économique, une des caractéristiques de la consommation des biens culturels tient à ce que leur valeur – ou la satisfaction qu’ils produisent – ne peut être connue qu’a posteriori. Ceci explique pourquoi nous cherchons en permanence des signaux informationnels ou des dispositifs de confiance stables qui nous permettent de réaliser des arbitrages entre telle ou telle œuvre. En l’occurrence, avec le numérique, l’effet sampleur jouerait à plein : nous pourrions dorénavant tester les œuvres avant de les acquérir. En outre, il découle de ce qui précède que le pouvoir des gate keepers traditionnels (et de l’industrie du marketing) s’affaiblirait.

–       d’autre part, l’augmentation de la population des artistes à la fois parce que les coûts d’entrée sur le marché de l’art seraient réduits et parce que les réseaux sociaux, en permettant l’accès à la médiatisation sinon à la notoriété de tout un chacun, aurait un effet égalitaire sur les carrières et les réussites, produisant selon les modèles théoriques ou une sorte de moyennisation des réputations ou la possibilité pour d’illustres inconnus ne disposant d’aucun relai a priori au sein des industries culturelles d’accéder à la reconnaissance par leur seul talent (ce que l’on pourrait qualifier de “paradigme Artic Monkeys”).

–       ensuite, on obtiendrait une augmentation du bien-être social puisque le nombre d’œuvres produites et accessibles serait augmenté significativement. En d’autres termes, le numérique poserait les conditions pour un plus grand nombre d’individus « plus cultivés », dans la mesure où il faciliterait la diffusion des biens en les dématérialisant.

–       enfin, l’idée émancipatrice selon laquelle, en favorisant des pratiques esthétiques liées à l’hybridation et à la décontextualisation, les technologies numériques contribueraient d’une façon qui peut être jugée salutaire à la déconstruction des stéréotypes directement issus du romantisme sur l’auteur, le génie, l’exception, la singularité, l’authenticité, qui sont autant de tropes instituant une coupure radicale entre l’artiste et les autres, entre la création et la consommation. Il est assez clair que cette mise en question d’un idéalisme artistique et d’une esthétique aristocratique peut être considérée comme une autre forme de progrès démocratique.

Reste, que cet idéal de la démocratisation par le numérique mérite à tout le moins d’être discuté, tant sur le plan théorique que sur le plan des faits : plusieurs travaux récents semblent en effet indiquer que la promesse n’est pas réellement tenue, qu’il s’agisse du modèle de la longue traîne (c’est à dire d’un marché ouvert à un plus grand nombre d’artistes), de l’élargissement du portefeuille des goûts,  ou encore de l’entrée sur le marché d’un nombre croissant d’artistes issus du rang des amateurs.

Notre communication portera donc sur l’objectivation de la promesse démocratisante offerte par les technologies numériques dans le champ culturel :

À partir de deux terrains ethnographiques – entretiens et observations – de différents acteurs relevants du secteur professionnel des musiques actuelles – producteurs, labels, disquaires – ainsi que d’auditeurs de musiques – adolescents et étudiants –, nous avons observé pendant plusieurs mois les enjeux que représentaient ces promesses technologiques et numériques, sur fond de crise du disque.

–          Autour des producteurs : Nous nous intéresserons d’une part aux « nouveaux amateurs » qui bénéficient d’équipements de moins en moins coûteux. Cet allégement des coûts est-il un facteur suffisant pour permettre à un nombre croissant d’impétrants d’accéder à la visibilité, sinon à la consécration ? En particulier, quels sont les effets du home-studio sur la transformation des pratiques de composition et d’enregistrement, sur la mise en ligne de sa musique, sur l’invention d’esthétiques originales ? D’autre part, nous décrirons la façon dont les responsables de l’industrie musicale ont intégré les technologies numériques (algorithmes de recommandation, Shazam, etc…) pour redéfinir leurs business models.

–          Autour des récepteurs : quels enjeux se cachent derrière les usages de braconnages – par exemple au travers de la pratique du playlisting ? Face à la circulation « inter-médiumique » – autrement dit la complémentarité entre les différents équipements d’écoute musicale, du téléphone au lecteur mp3, en passant par la chaîne hifi, l’autoradio et la télévision – ainsi que la circulation intermédiatique – retracer une cohérence des goûts musicaux entre différents médias, d’Internet à la radio, du cinéma à la littérature –, les récepteurs ne sont-ils pas eux-mêmes porteurs de promesses intéressantes à exploiter pour l’industrie ?

–          Entre ces deux acteurs : quelles représentations ont-ils chacun de l’autre ? Quelles forment de tensions peuvent se former entre eux ? Quelles négociations ces deux acteurs sont-ils capables d’acceptés ? Ces compromis sont-ils à l’origine d’une partie des évolutions technologiques ?

Bibliographie

• Combes Clément et Granjon Fabien, « La numérimorphose des pratiques de consommation musicale », Réseaux, 28 janvier 2008, n° 145-146, n^o 6, pp. 291‑334.
• Guern Philippe Le, Musique et technologies numériques, Paris, La Découverte, 2012, 267 p.
• Hennion Antoine, La passion musicale : Une sociologie de la médiation, Édition revue et corrigée., Editions Métailié, 2007, 397 p.
• Miège Bernard, La société conquise par la communication. 3. Les Tic entre innovation technique et ancrage social, Grenoble, PUG, 2007, 235 p.
• Perticoz Lucien, Les processus techniques et les mutations de l’industrie musicale. L’auditeur au quotidien, une dynamique de changement,Université Grenoble 3 – Stendhal, 2009, 379 p.
• Rouzé Vincent, Mythologie de l’iPod, [Paris], le Cavalier bleu, 2010, 96 p

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La consommation est un usage qui participe à faire exister l’objet en même temps qu’elle le détruit. De la notion de « prosumer » (Tapscott, 1995) aux interrogations soulevées par la mise au travail du consommateur (Dujarier, 2008), l’essor de la culture numérique (Lévy, 1997) tend à brouiller toujours plus les frontières de la consommation et de la création jusqu’à proposer des formes de production ayant recourt à l’intelligence collaborative (Boutet, 2010). Objet idéal typique de ces transformations, le serious game permet de penser le dépassement de l’antagonisme entre création et consommation. La propagation du jeu à des sphères qui lui étaient interdites (Genvo, 2011, 2012) est maintenant légitimée par l’engagement et le déploiement de la puissance créative des individus (Zichermann, Cunningham, 2011, Von Hippel, 1988). Mais comment penser cette créativité au sein du cadre rigide et contraint de l’activité d’apprentissage ? Au-delà même de l’objet, le serious game permet aux acteurs de créer et d’organiser l’environnement d’apprentissage qu’ils veulent consommer.

En tant qu’objet-frontière (Star, Griesemer, 2008), le serious game est une innovation à comprendre dans un cadre sociotechnique englobant les enseignants et les apprenants. Nous avons observé dans deux classes de Seconde Bac Pro et de BTS les usages du jeu Mecagenius, destiné à l’apprentissage du génie mécanique. Partant d’un mode d’observation ethnographique, à base de captations vidéo et d’observation directe, nous avons pu constater un détournement des usages du jeu de la part des professeurs (détournement de la trame narrative) et des étudiants (récupération de l’objet pour créer de nouvelles formes de jeu en dehors des consignes). De la même manière, l’utilisation des temps d’activité interstitiels donne lieu à des usages non prescrits tout en favorisant pourtant l’attention et le plaisir à utiliser le jeu. Alors que ces parades face à la contrainte s’apparentent à des échecs pour les concepteurs du jeu et les enseignants, elles ne remettent pas en cause les vertus de Mecagenius dans le déroulement de l’apprentissage.

Le serious game est une mise en forme ludique du savoir. Mais le jeu est également un outil de négociation. D’une part, il permet de mettre en forme la tension entre l’engagement et la distanciation dans l’activité (Lelay, 2011), pour l’enseignant comme pour l’apprenant. Se démarquant du travail par la simulation et la fiction (Henriot, 1989), le jeu proposerait au professeur de se décharger du déroulement des séquences pédagogiques en même temps qu’il engage l’élève dans l’activité. D’autre part, le jeu redéfinit le cadre de son usage (Flichy, 1995) et l’avènement de la relation pédagogique. Ce cadre d’usage se comprend donc à la fois dans la structure ludique, le système de règles et de représentations du jeu, mais aussi dans les multiples artefacts qui composent le cadre de l’activité (Licoppe, Datchary, 2008). Au sein de ce cadre, le jeu permet donc la négociation de niches, au sein desquelles se dépasse la dichotomie entre création et consommation. Le dégagement de ces zones de liberté, où l’activité est dégagée des contraintes de la classe, devient propice à la coécriture de la relation pédagogique et à la prise en main de l’objet jeu.

Les serious games sont donc des objets numériques hybrides. Le jeu ne se consomme pas de manière passive, mais rend les individus actifs et leur permettent de consommer un mode d’apprentissage qu’ils ont eux-mêmes participé à créer. En se déployant dans la relation d’apprentissage, l’espace de jeu invite à repenser l’objet numérique au-delà de la dichotomie entre jeu produit et mode d’engagement dans l’activité. Ces jeux sont donc à la fois des dispositifs de mise en marché des savoirs (Mignot-Gérard, Musselin, 2001) et des creusets innovants dans lesquelles se recueillent les dispositions au jeu des publics visés ; des « curiositifs » (Cochoy, 2011) permettant de s’interroger sur la « consocréation » (Gobert, 2008) du savoir.

À travers l’observation de Mecagenius, nous entendons dans un premier temps comprendre les logiques de négociation autour de la mise en place du jeu, depuis son développement initial jusque dans son utilisation par les apprenants et les enseignants en classe. Dans un second temps, nous nous servirons d’exemples de terrain pour rendre compte de l’impact de ces négociations sur le dégagement de niches de liberté dans l’activité, que ce soit par le rejet du jeu ou au contraire par ses modes d’appropriation par les apprenants et les enseignants.

Bibliographie

• AKRICH, Madeleine, « La construction d’un système socio-technique. Esquisse pour une anthropologie des techniques. » in AKRICH, Madeleine, CALLON, Michel, LATOUR, Bruno (dir.), 2006, Sociologie de la traduction, textes fondateurs, Les Presses Mines Paris, coll. « Sciences sociales », Paris, pp. 109 – 134.
• BIDET, Alexandra, 2011, L’engagement dans le travail, qu’est-ce que le vrai boulot ?, coll. « Le lien social », PUF, Paris.
• BONENFANT, Maude, Sens, fonction et appropriation : l’exemple du jeu World of Warcraft, Thèse de doctorat : Montréal, Université du Québec à Montréal, 2011.
• BOUTET, Manuel, « Innovation par l’usage et objet-frontière, Les modifications de l’interface du jeu en ligne Mountyhall par ses participants », Revue d’anthropologie des connaissances, 2010/1 Vol 4, n° 1, p. 87-113.
• BOUTET, Manuel, « Un rendez-vous parmi d’autres. Ce que le jeu sur internet nous apprend du travail contemporain », ethnographiques.org, Numéro 23, Dossier Analyser les présences au travail : visibilités et invisibilités [en ligne], 2011. Consulté en ligne le 6 janvier 2013 :
• BROUGERE, Gilles, 2005, Jouer/Apprendre, Economica, coll. « Education », Paris.
• BURAWOY, Michael, « Le procès de production comme jeu », Tracés. Revue de Sciences Humaines, 2008 n.14/1, 388; DOI : 10.4000/traces.388. Consulté en ligne le 22 juin 2013 : http://traces.revues.org/ 
• CAILLOIS, R., 1958, Les jeux et les hommes, Gallimard, Paris.
• COCHOY, Franck, 2011, De la curiosité : l’art de la séduction marchande, Armand Colin, coll. « Individu et Société », Paris.
• DE CERTEAU, Michel, 1990, L’invention du quotidien, 1 : Arts de faire, Editions Gallimard, Paris.
• DUJARIER, Marie-Anne, 2008, Le travail du consommateur. De McDo à Ebay : comment nous coproduisons ce que nous achetons, La Découverte, Paris.
• FLICHY, Patrice, 1995, L’innovation technique. Récents développements en sciences sociales, vers une nouvelle théorie de l’innovation, La Découverte, coll. « Sciences et société », Paris.
• GENVO, Sébastien, « Penser les phénomènes de « ludicisation » du numérique : pour une théorie de la jouabilité », Revue des sciences sociales, 2011 n° 45, pp. 68 – 77.
• GENVO, Sébastien, « Penser les phénomènes de ludicisation à partir de Jacques Henriot », Journée d’étude Hommage à Jacques Henriot, Paris, 04 mai 2012, article disponible en ligne : www.ludologique.com
• GOBERT, Thierry, « Consommer pour créer, créer en consommant : la consocréation », Actes du colloque : Ludovia : Do it Yourdef, Aix-les-Thermes, 2008.
• HENRIOT, Jacques, 1989, Sous couleur de jouer, José Corti, Paris.
• HUIZINGA, Johan, 1988, Homo Ludens, Essai sur la fonction sociale du jeu, Gallimard, Paris.
• LE LAY, Stéphane, 2011, « L’usage de dispositifs ludistes dans l’évaluation du travail : une instrumentalisation des pratiques ludiques ? », consulté en ligne le 17 novembre 2011 : http://metices.ulb.ac.be
• LICOPPE, Christian. « Dans le carré de l’activité : perspectives internationales sur le travail et l’activité », Sociologie du Travail 50(3), 2008, pp. 287-302.
• MIGNOT-GERARD, Stéphanie, MUSSELIN, Christine, « L’offre de formation universitaire  à la recherche de nouvelles régulations », Éducation et Société 8(2), 2001, pp. 11 – 25.
• STAR, Susan, GRIESEMER, James, « Institutional Ecology, ‘Translations’ and Boundary Objects: Amateurs and Professionals in Berkeley’s Museum of Vertebrate Zoology», Social Studies of Science, number 19/3, 1989, pp. 387–420.
• TAPSCOTT, Don, 1995, The Digital Economy: Promise and Peril In the Age of Networked Intelligence, McGraw-Hill Inc., US.
• VON HIPPEL, Eric, 1988, The sources of innovation, Oxford University Press, US.
• ZICHERMANN, Gabe, CUNNINGHAM, Christopher, 2011, Gamification by design, O’Reilly Media, Sebastopol.

[callout]Notre terrain porte sur les usages du learning game Mecagenius, développé par le GIS SGRL au sein du Centre Universitaire J.-F. Champollion d’Albi. Ce jeu a pour vocation l’apprentissage du génie mécanique du niveau Seconde au niveau Licence 3. Nous accompagnerons nos réflexions de multiples illustrations empiriques, recueillies de manière exploratoire au sein d’une classe d’élèves de Seconde Bac Pro Technicien d’Usinage et au sein d’une classe de seconde année de BTS Industrialisation de Produits Mécaniques.

Le terrain est investi sur un mode anthropologique élargi, visant à recueillir des informations très pragmatiques sur les positionnements individuels dans l’activité, mais visant également à recueillir la parole des individus et à travers elle les impératifs d’une temporalité large, de sorte à saisir les ressorts impliqués dans l’utilisation de l’outil (réforme des programmes, dispositions et parcours individuels des enseignants et des apprenants, etc.) Par ailleurs, l’observation pragmatique de l’activité agrémentée de prises de vue photo et vidéo donne également à voir des modes d’appropriation de l’outil numérique spécifiques et variés, tant dans la création du cadre d’usage du jeu en classe (réappropriation ludique de l’objet) que dans les postures individuelles adoptées par les différents acteurs face à l’outil (allant de logiques de braconnage à des logiques de chasse à courre [De Certeau, 1990]). À travers un travail encore exploratoire au sein du cadre structuré de la relation pédagogique, le terrain révèle l’élaboration d’un système d’interactions autour du jeu permettant aux acteurs de garder la main sur l’outil et de créer l’organisation de l’activité qu’ils désirent.

Enfin, nous pensons qu’en tant qu’objet hybride, le serious game ne peut se saisir qu’à la lumière du dialogue entre des traditions de recherche différentes. De fait, nos observations de terrain montrent qu’en classe les logiques d’appropriation du jeu se négocient tant entre apprenants et enseignants – créateurs et consommateurs de nouvelles formes d’apprentissages en classe – qu’entre les concepteurs ayant développé le jeu et les usagers, dans un cadre socio-technique en construction (Akrich, 2006). Nous nous inscrivons donc au confluent d’une tradition de sociologie pragmatique de l’activité (Bidet, 2011, Burawoy, 2012) et de l’innovation technique (Flichy, 1995, Akrich, Callon, Latour, 2006). Nous affirmons également notre proximité avec les game studies (Boutet, 2011, Bonenfant, 2011, Genvo, 2011, 2012) et avec une littérature d’étude du jeu marquée par une plus grande multidisciplinarité (Huizinga, 1938, Caillois 1958, Brougère, 2005).[/callout]

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L’appel à communication émet l’hypothèse d’une chaine communicationnelle qui traverserait au moins deux domaines et qui met en jeu des individus aux compétences diverses : de l’acte créatif à celui de la consommation ; on passe ainsi d’une logique plus ou moins artistique, ou artisanale, à une logique de marché. Les deux termes mis en regard ne relèvent pas du même champ lexical. Le premier est plus souvent opposé à celui de « réception », tandis que le second s’oppose à celui de production.

Le choix de ces termes suppose que l’on considère que les objets numériques sont soumis à une logique de marché liée aux industries culturelles (telles que le cinéma, l’édition, etc.). En même temps, cela suppose que les compétences sont séparées en fonction des individus, qu’il y a un processus d’échange impliquant des personnes à chaque bout de la chaine. Ce parti-pris est finalement un axe fertile pour questionner les mutations culturelles profondes qui sont en jeu avec les objets numériques. De fait, de la création à la consommation, c’est finalement la question des usages des objets numériques qui est cœur de cet appel et qui va être le point de départ de notre réflexion.

Pour ce faire, nous prendrons deux exemples d’usages, le premier lié à la compétence créative, mais dans un secteur marchand sous-tendu par une logique économique réelle : la publication de petites annonces originales sur le site Le Bon Coin. La compétence rédactionnelle, créative, renouvèle la forme de la petite annonce par le biais de la mise en récit de soi ou d’un objet. Le processus de narrativisation contribue ainsi à l’identification du lecteur, à l’acquisition d’une réputation pour « l’auteur » et au développement du sentiment de communauté. Dans la mesure où ces annonces obtiennent un réel succès, d’estime et économique, cela signale la valeur économique et marketing de la compétence rédactionnelle.

Le second exemple concerne cette fois l’aspect consommation, mais dans une dimension proprement culturelle d’acquisition du savoir et de divertissement, c’est la figure émergente du lecteur-consommateur, qui vient se substituer au lecteur-braconneur de Certeau. A partir de l’examen de nouvelles pratiques de lecture, et d’appropriation culturelle, nous verrons que le lecteur-consommateur opère un travail de co-construction du sens, voire du dispositif textuel (de l’architexte pour reprendre le terme de Valérie Jeanne-Perrier), dans une conception quasi éditoriale du web.

Ces deux exemples témoignent de la porosité des pratiques et des domaines, illustrant la théorie de la convergence de Jenkins. A ce titre, loin d’envisager les deux idées de création et de consommation de façon distincte, nous souhaitons proposer ici une analyse qui mette en lumière les relations profondes entretenues entre elles, notamment par l’intermédiaire du concept de publicité. Selon Kant, la publicité, c’est le faire de rendre visible l’information par l’intermédiaire de l’imprimé. Cela renvoie à l’acte de publier, soit de rendre public. Originellement, le nom renvoie aux nouvelles pratiques éditoriales et journalistiques qui se développent au 18^ème siècle et après. Mais très vite, le terme prend une coloration économique, puis péjorative, pour désigner les annonces marchandes sur des produits. C’est donc une notion qui relève à la fois de la création et de la consommation. Elle est donc au cœur de notre étude, notamment dans l’idée d’envisager l’individu sur le web d’abord comme un usager, puis comme un publiciste.

Le concept d’usager, qui peut sembler relativement neutre et vide de sens, mérite en effet qu’on s’y arrête pour comprendre les enjeux d’une part et les effets de ces activités sur et avec les objets numériques. La notion d’usage met en avant un ensemble de spécificités qui permettent de caractériser la posture de l’individu, qui oscille entre création et consommation et donc entre deux domaines épistémologiques : l’art et le marché. L’approche conceptuelle encourage une réflexion sur la relation entretenue entre les usages, et la publicité qui tous deux renvoient à un art de faire, un ensemble d’actions.

Les deux postures d’usager envisagées dans les deux premières parties de l’étude ouvrent sur une réflexion plus théorique et conceptuelle sur les usages initiés par les objets numériques. La dernière partie de ce travail, consacrée à la notion polysémique et fertile de publicité, permet de rejeter la conception dichotomique de la communication et de l’échange avec d’un côté les acteurs et de l’autre les récepteurs (ou les producteurs et les consommateurs) pour en proposer une nouvelle, qui perturbe plusieurs définitions établies sur les usages en communication.

Références

• CARDON, Dominique,
  « Le design de la visibilité » Un essai de cartographie du web 2.0, Réseaux, 2008/6 n° 152, pp. 93-137, p.96.
  La démocratie Internet. Promesses et limites, Paris, Seuil, coll. « La république des Idées », 2010, 112 p.
  Les sociabilités numériques, conférence prononcée le 29 mars 2012 à la médiathèque de Miramas.
• CERTEAU, Michel de, L’invention du quotidien. Arts de faire, Saint-Amand, Folio, 1998, LII + 350   p.
• CHARTIER, Roger, « Culture écrite et littérature à l’âge moderne », Annales, 2001, vol.56, n°4, p. 20.
• DUJARIER, Anne-Marie, le travail du consommateur, de Mc Do à Ebay : comment nous produisons ce que nous achetons, La Découverte, 2008.
• HEINICH, Nathalie, De la visibilité. Excellence et singularité en régime médiatique, Paris, Gallimard, 2012, 593  p.
• JEANNERET, Yves, Penser la trivialité. Volume 1 : la vie triviale des êtres culturels, Paris, éditions Hermès-Lavoisier, 2008, 267 p.
• JENKINS, Henry, La culture de la convergence : des médias aux transmédias, Armand Colin, 2013.
• KANT, Emmanuel, Critique de la raison pure (1781 ; 2nde éd. 1787) ; Réponse à la question : « qu’est-ce que les Lumières ? » (1784) ; Critique de la raison pratique (1788).
• Critique de la faculté de juger (1790).
• LEVY, Pierre, Qu’est-ce que le virtuel ?, Paris, La Découverte, 1995, 153  p.
• PEYRON, David, Culture geek, Paris, FYP, 2013.
• PISANI, Francis et PIOTET Dominique, Comment le web change le monde: Des internautes aux webacteurs, Paris, Pearson, 2011.
• RHEINGOLD, Howard, Les communautés virtuelles, Addison-Wesley, 1998.

Positionnement scientifique

[callout]Cette communication s’inscrit dans le cadre des SIC en suivant une perspective épistémologique. Les deux premières parties, dans une volonté critique et analytique, sont consacrées à l’analyse de deux figures d’usager des objets numériques, le concepteur de petites annonces d’une part et le lecteur-consommateur d’autre part. A partir de là, l’étude s’oriente vers une réflexion plus théorique sur le concept de publicité, qu’elle interroge notamment pour comprendre les enjeux et effets de ces usages des objets numériques. L’angle adopté est celui de la sociologie de la communication afin de mettre en évidence les bouleversements épistémologiques de ces nouveaux usages dans la conception de l’écriture, de la lecture, et de la communication plus largement.[/callout]

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Les jeux vidéo sont souvent (bien que de moins en moins, il faut le constater en bonne justice) présentés sur les médias sous la forme d’activité adictive, problématique, appauvrissante et surtout alternative à d’autres activités traditionnellement considérées comme appartenant à la haute culture. Ces activités-là seraient enrichissantes, contrairement aux jeux vidéo, d’après cette approche médiatique.

Dans notre communication, nous essaierons  de montrer le fait que, loin d’être déconectés de la culture écrite, certains jeux vidéo ont même du mal à se débarrasser du concept (ou bien de la métaphore) du récit écrit en tant que support de la narration. Ainsi, nous ferons l’analyse de certains RPG (jeux vidéo de rôle) ou jeux d’action afin d’étudier deux traits habituels dont on ne saura pas nier le lien avec le monde littéraire: d’une part,  le roman, journal ou parchemin (récit écrit, en définitive) comme excuse pour faire démarrer les jeux vidéo d’un point de vue narratif; d’autre part, nous travaillerons sur l’exploitation du recours littéraire au manuscrit trouvé dans les jeux vidéo. Ce procédé narratif se revèle étroitement en rapport avec la technologie des jeux, en tant que solution ayant à l’origine un problème technique (la sauvegarde de la partie). Les jeux vidéo (notamment ceux appartenant au genre « action », « aventure » ou RPG, c’est-à-dire, les plus narratifs d’entre eux) ne cessent pas, en fait, d’avoir recours à l’usage des techniques soit traditionnellment littéraires (comme le début in medias res ou le dit manuscrit trouvé), soit traditionnellement filmiques (comme le plan-séquence ou le fondu), pour enrichir leur expérience ludique, au fur et à mésure que la technologie leur fournit des outils nécessaires.

Peut-on, ainsi, continuer à affirmer que les jeux vidéo ne sont rien qu’une activité étrangère à la culture écrite et/ou filmique? À notre avis, les jeux vidéo reprennent et adaptent des éléments culturels traditionnels aussi bien qu’ils proposent de nouveaux chemins pour construire une expérience ludique au XXIe siècle.

Références

• Aarseth, Espen (2004). « Genre Trouble: Narrativism and the Art of Simulation » in First Person: New Media as Story, Performance and Game. Cambridge, Massachusetts, MIT Press.
• Bell, Alice; Ensslin, Astrid & Hans Rustad (éds) (2013). Analyzing Digital Fiction, Routledge.
• Pajares Tosca, Susana (2012). Understanding Videogames : Second Edition. New York, London, Routledge.
• Ryan, Marie-Laure; Emerson, Lori & Robertson, Benjamin J. (éds.) (2014). Role-Playing Games.The Johns Hopkins Guide to Digital Media. Johns Hopkins University Press, 2014.

Note de positionnement scientifique

[callout]Section scientifique de rattachement : Les jeux vidéo.
Méthode appliquée : ludologie, narratologie[/callout]

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D’un point de vue sociologique il est intéressant de noter que la clientèle ciblée par l’industrie du jeu vidéo était en premier lieu les jeunes de 8 à 18 ans. C’est ce que nous précise Jean Paul Lafrance dans son ouvrage. Cependant d’après la source IDSA Alliance numérique à l’heure actuelle 58% des joueurs sur console sont âgés de plus de 18 ans et la moyenne d’âge du joueur est de 28 ans. Il est important de préciser que Laurent Trémel [1] réfute cette statistique en ajoutant «La moyenne d’âge du joueur de jeux vidéo fixée à 30 ans est un leurre, destiné à rendre le produit culturellement plus « légitime » et à invalider les interrogations de ceux qui s’inquiètent des effets potentiels des jeux vidéo sur les enfants. »  On pourrait penser que cette idée est trop simpliste, et ne correspond pas à la réalité. Certes il y a beaucoup d’enfants qui jouent aux jeux vidéo, mais la plupart des joueurs à l’heure actuelle sont ceux de la  « Génération Nintendo » des Années 1990 qui continuent à jouer. D’après le syndicat national des jeux vidéo, le jeu vidéo est le premier bien culturel en France Ces chiffres peuvent nous pousser à nous questionner sur la croissance considérable et le développement de l’industrie vidéo ludique dans notre société.

Nicolas Herpin fortement inspiré de l’analyse fonctionnaliste de Talcott Parsons et Robert  Merton  précise que la consommation répond aux besoins organiques et aux désirs des individus sans avoir une finalité collective spécifique. Cette idée est discutable et pour cela nous pouvons prendre l’exemple des jeux vidéo. A l’heure actuelle, dans une société où règne le multimédia et le numérique, posséder un jeu vidéo est devenu presque « naturel ». Autrement dit, ne pas avoir de jeux vidéo pourrait être synonyme de marginalisation. Elisabeth Fichez et Jacques Noyer illustrent parfaitement  ces propos en précisant qu’il est particulièrement difficile pour les parents de refuser un jeu à leurs enfants car la pression exercée par l’environnement est trop forte. En effet, si tous les camarades de classe de l’enfant possèdent le jeu vidéo, il y a un risque de marginaliser l’enfant. Dans ce cas précis, la finalité collective serait de priver l’enfant d’intégrer un groupe de paires, un groupe qui partage les mêmes valeurs, les mêmes intérêts autour des jeux vidéo. Le discours des parents est impartial, ils ont le sentiment d’être victimes des marchands à travers leurs enfants dans cette société de consommation. C’est ce qui en ressort de l’étude menée par Elisabeth Fichez et Jacques Noyer. Les résultats des entretiens réalisés par ces auteurs  indiquent que les non-joueurs qualifient les jeux vidéo d’objet de consommation. En effet, les coûts des jeux vidéo sont un sujet incontournable lors des premiers entretiens réalisés. Pour l’ensemble des joueurs interrogés, le prix des jeux, des consoles est élevés. Les enquêtés parlent de jeux de plus en plus chers, et ils se plaignent des coûts. Cependant il est important de préciser que malgré le prix des jeux vidéo les joueurs continuent d’acheter. En effet, le principe de ces entretiens, est de chercher à savoir si le prix est un obstacle dans l’achat des jeux vidéo. Manifestement, ce n’est pas le cas, le prix n’est pas un obstacle. Les joueurs sont prêts à investir beaucoup d’argent dans les jeux vidéo.

Nous sommes dans une logique de consommation, les industries du cinéma l’ont bien compris, si bien que certains jeux vidéo font l’objet d’adaptations cinématographiques.  On ne compte plus les adaptations de jeux vidéo ayant fait leur entrée au cinéma. Il y a donc une part créative du jeu vidéo dont certains cinéastes vont s’emparer On peut alors s’interroger sur la réception vis-à-vis du public. A savoir est ce qu’un jeu qui connait un succès considérable connaitra le même succès au cinéma ?

Jean Beaudrillard  insiste sur le fait que la consommation structure les relations sociales dans notre société. Cette communication à pour objectif d’interroger de manière sociologique la logique de consommation dans l’univers vidéo ludique pour comprendre l’adaptation de cet univers dans le domaine du cinéma.

La jeunesse contemporaine peut être considérée comme une génération multi-médias. Les jeunes vivent dans un environnement marqué par les nouvelles technologies et ils les utilisent activement en fonction de leurs différents besoins communicationnels ou expressifs.

Dans les années 2000, les blogs ont envahi la toile et sont devenus un support d’expression privilégié par les jeunes, notamment grâce à la popularité de la plate-forme Skyblog.com. Face à ce constat, impossible de ne pas se questionner sur leur relation avec Internet et les réseaux sociaux. Les pratiques communicationnelles mises en œuvre par les jeunes sur les blogs sont multiples. Entre création, information et surtout communication, les blogs permettent la mise en visibilité de multiples genres de discours.

Le blog est un dispositif sociotechnique peu contraignant, permettant une grande diversité de productions, de types de contenus (texte, image, son) et de finalités communicatives (informative, incitative, explicative, expressive, etc.). Par ailleurs, les blogs sont également un dispositif favorisant l’interaction sociale par le biais de leur interactivité technique. La gratuité du dispositif ainsi que l’absence de limite de contenu, d’un point de vue quantitatif, en font un outil particulièrement attrayant pour les jeunes, en quête de lieux d’expressions informels.

Ils se sont approprié les blogs pour échanger entre eux, mais  surtout, pour mettre en visibilité leurs capacités créatives au travers de productions telles que les poèmes ou les fanfictions par exemple. Entre réappropriation de la culture traditionnelle et déplacement des genres, avec les blogs, les jeunes trouvent un espace d’expression et de communication.

Les jeunes sont une population en construction permanente. Notre postulat est que les jeunes se présentent comme une population non-normée car ils sont en pleine construction identitaire et en quête de reconnaissance sociale. Ils ont massivement investi la toile par le biais des blogs et des réseaux sociaux. Notre travail de recherche s’intéressait principalement aux genres de textes à partir d’une analyse discursive d’un corpus d’environ cent cinquante énoncés publiés sur les blogs sur le thème de l’amour. L’objectif de notre proposition de communication est d’expliquer dans quelle mesure, et en quoi, les jeunes s’approprient-ils de façon spécifique  les blogs, en se pliant à leurs contraintes mais en faisant preuve d’inventivité et de créativité.

Positionnement scientifique

[callout]Institut de la communication et des médias, laboratoire du CIM, ED 267.

Méthode et terrain : Cette recherche porte sur les dispositifs sociotechniques et les stratégies de communications s’y rattachant par un travail d’analyse discursive comparative sur un corpus de blogs et de journaux collégiens et lycéens.[/callout]

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Par sa structure formelle comme par ses modes de production, le jeu vidéo ne cesse d’engager ses utilisateurs dans une logique de détournement et de réappropriation. D’une part, étant un médium interactif, il a besoin de la participation du joueur pour exister et doit donc constamment inviter celui-ci à agir (c’est ce que Genvo, 2008, nomme l’« impératif d’action »). D’autre part, les développeurs ont pris coutume de solliciter la complicité des récepteurs au sein même de l’élaboration des œuvres. Certains vont jusqu’à faire de cette dynamique participative un principe ludique à part entière : c’est le cas dans les jeux tels que Minecraft ou Little Big Planet, où la création de contenu par les utilisateurs constitue l’un des fondements du gameplay.

Loin de s’apparenter à une forme passive de consommation, la réception du jeu vidéo semble donc s’effectuer de manière privilégiée sur le mode de la participation et de la réappropriation. Dans certains cas, cette réception active peut déboucher sur des productions créatives qui s’émancipent de la forme, des règles, voire du médium des jeux originaux : rédaction de fictions littéraires sur les univers des œuvres vidéoludiques (fanfictions), réalisation de vidéos tournées à l’aide de leurs moteurs graphiques (machinimas, speedruns), création de jeux inédits sur base d’éléments préexistants (modding), etc. Toutefois, si l’on considère le jeu non comme la propriété d’un objet fixe (à l’instar des game studies) mais comme une expérience prenant source dans l’attitude ludique du joueur (à l’instar des play studies définies par Triclot, 2011), il devient possible d’établir une continuité entre la pratique du jeu et la création ou la consommation de détournements. Les productions dérivées de jeux vidéo peuvent, en d’autres termes, être envisagées comme autant de prolongements de l’attitude libre du joueur (le play) hors de la structure initiale du jeu. Pour peu que le détournement soit ensuite réinvesti par la communauté, il peut alors se solidifier en nouveau système de règle (en nouveau game) et redéfinir les enjeux de l’activité ludique[1].

Sur base de ce cadre théorique, la présente communication se propose d’étudier la dynamique du détournement de jeux vidéo à travers l’une de ses actualisations : le phénomène du speedrun[2]. Il s’agit d’une pratique consistant à tenter de terminer un jeu le plus vite possible (notamment en exploitant ses failles techniques ou « glitchs ») et à réaliser une vidéo de cette performance. Pour parvenir à un temps théoriquement idéal, il arrive que les joueurs utilisent des outils permettant de ralentir le jeu et d’enregistrer les différentes commandes actionnées : on parle alors de « tool-assisted speedrun » (ou « TAS »). Les pratiques du speedrun et du TAS entraînent une profonde redéfinition de l’activité ludique : elles détournent l’objectif du jeu original (il ne s’agit plus de débloquer l’entièreté du contenu, d’obtenir un score important[3],… mais d’arriver au bout de l’œuvre le plus vite possible), elles modifient la manière dont il est joué (la pratique du TAS se rapproche davantage d’un travail de programmation que d’une activité ludique) et imposent à l’occasion de nouvelles règles (finir le jeu non seulement rapidement, mais aussi sans ramasser aucun objet, par exemple).

En se fondant sur l’observation du speedrun et du TAS, cette étude visera à éclairer la dynamique de la réappropriation dans son articulation avec le jeu. D’une part : comment le jeu vidéo détermine-t-il la manière dont se fait le détournement ? Par quelle « affordance » (Gibson, 1979) permet-il au speedrun d’émerger ? D’autre part : comment cette pratique redéfinit-elle ce qu’est « jouer » ? Quel est le nouveau game qui en émerge ? Dans quelle mesure ce game est-il lui aussi sujet aux réappropriations ?

Pour détailler cette influence réciproque, trois grands points de contact entre le speedrun et la pratique traditionnelle du jeu seront envisagés. Premièrement, l’impératif de performance : comme le jeu, le speedrun répond à des exigences de performance tant au niveau technique (il s’agit d’établir un record, ce qui le rapproche de l’e-sport) qu’au sens d’interprétation théâtrale (l’une des valeurs propres à la communauté est que les vidéos produites ne doivent pas seulement être impressionnantes, mais aussi divertissantes : le speedrun demande un investissement dans la mise en scène). Deuxièmement, la jouabilité et l’interactivité : les vidéos de speedrun restent empreintes des codes du jeu. Non seulement elles ne cessent d’inviter le spectateur à agir (en lui fournissant, par exemple, des indications pour battre le record qu’elles viennent d’établir), mais elles se caractérisent aussi fréquemment par un mode d’expression au second degré. Enfin, le troisième point de contact abordé sera la posture adoptée par les joueurs-créateurs : bien que le speedrun débouche sur une œuvre parfois éloignée des représentations habituelles du ludique, le producteur n’en demeure pas moins un joueur. Cette posture spécifique redessine les modalités de la création en l’inscrivant dans la continuité directe du jeu.

Le corpus étudié se composera des vidéos diffusées sur les deux sites de référence des pratiques envisagées (Speed Demos Archive[4] et TASVideos[5]), mais aussi des discours de leurs producteurs et consommateurs (présentation des vidéos par leurs auteurs, commentaires des spectateurs, discussions de fond sur les forums, foires aux questions proposées par les webmasters).